舞美艺术高科技要“赏心”不要“炫目”
编辑：雅风 [ 2012-3-23 10:57:12 ] 文章来源：舞台灯光网
提及2012年的“春晚”，最大的亮点莫过于美轮美奂的数字舞美设计。绚烂多彩的灯光、304个自由变幻的升降台、全覆盖立体式的LED影像呈现等，众多技术手段的综合运用，将中国电视晚会的视听效果、审美韵味推上了一个新的高度。近些年，随着技术手段的提高、创作视野的开阔，中国的舞台美术迈上了新的台阶，成绩显著，“春晚”只是其中的一个缩影。在2008年奥运会、2010年世博会、2011年亚运会等大型活动中，数字舞美创作更是在展示中国形象，让世界了解中国发展成就方面发挥了不可替代的作用。那么，作为数字舞美创作的主战场，戏剧舞台在时代审美、技术水平、创作理念的演进中又发生了怎样的变化。
河北数字舞美协会
继2003年中国第二届舞台美术展览之后，2012中国舞台美术与技术邀请展2月28日至3月2日在广州举行。本次邀请展由中国舞台美术学会、广东演艺设备行业商会主办，汇聚了28个省份、5个艺术院校以及中直、部队系统近十年的数字舞美作品。可以说，较为全面地展示了新世纪以来中国舞台美术的创作水准和阶段成绩。展览期间，舞台美术作品与广州(国际)演艺设备展同步举行，技术与艺术的互动结合，成为本次大展的鲜明特色。回顾近十年的舞台美术创作，中国舞台美术学会会长蔡体良认为，创作者的思路打开了，艺术创作开始具有了国际水准；科技进步改变了传统的戏剧舞台面貌，3D、多媒体等的介入，增强了舞台的现代感。简言之，数字舞美的观赏性、审美性提高了。但同时也注意到，受种种因素的影响，数字舞美创作出现了技术至上、盲目高投入、人才缺乏等问题。高科技时代，数字舞美的现状和发展引人关注。
中央戏剧学院
高科技是为了“赏心”而不是“炫目”
新世纪以来，在剧本原创动力下降的状况下，数字舞美一跃成为戏剧舞台的主角。各种新的技术手段轮番登场，多媒体、LED、舞台机械、智能声电等，显然将戏剧舞台变成了高科技的练兵场。针对这一现象，数字舞美设计苗培如认为，高科技的介入并不是坏事，这是时代进步的表现，但新手段必须同剧作要表现的题材、内容、主题相结合。要量力而行，用之适度，否则就会造成资源的浪费。科技是为表现作品的内容服务的，而不是单纯“炫目”。
以舞台灯光为例，蔡体良认为，虽然采用了先进的设备和技术，但是创作上还存在盲目性，缺少创新意识。“当下70%的舞台，灯光艺术还没有进入艺术创作的层面；70%的舞台灯光的现代设备和器具，还停留在照明的功能上，灯光设计仅仅充当了‘电工’的角色。只有当这些科技手段转化为艺术手段时，它们才能为观众接纳。”面对舞台创作惟技术的倾向，上海戏剧学院教授王履玮认为，这是数字舞美创作缺乏人文精神的表现。戏剧关键是以剧本为基础。戏剧创作者应该将主要精力放在戏剧思想、戏剧观念、戏剧人物上，而不是戏不够、数字舞美凑。他认为，目前中国舞台美术在技术的运用上已经达到了世界先进水平，与国际同步，但是在创作观念、美学表达、想象创意上，与发达国家相比还存在一定差距，“赏心”层面需要强化。
中国国家话剧院
戏曲数字舞美创新需谨慎
一台被冠名为“新京剧”的《霸王别姬》日前在北京某高档歌剧院上演。该剧对传统京剧颠覆性的“创新”，着实引发了业内人士的广泛关注。铺张的红色灯效，3D、激光投影的营造，华美艳丽的服装以及价值800万的活乌骓马，仅就舞台、道具来看，这已经与我们耳熟能详的京剧相差千里了。虽然组织者称该剧完全由国际化团队打造，力求用形式的创新争取新的观众走进剧场，但是对技术手段的过分倚重，还是凸显了创作者对戏曲艺术、中国传统美学原则上的漠视和破坏。戏曲的魅力在于演员的表演和唱腔，其程式化、虚拟化的美学原则不能丢，尤其是在言及创新的问题上，更需谨慎。由此反观当下戏曲舞台的数字舞美创作，艺术经验值得总结。
蔡体良认为，近些年，我国的当代戏曲舞台美术创作形成了多元的态势，创作趋于理性，已经找到了新的艺术坐标，如京剧《成败萧何》、昆曲《长生殿》等就是其中的代表。科技手段的介入为传统的舞台带来了新的生命力。然而，在戏曲舞台上，高科技不是万能的。它只能是艺术创造中的工具、手段，而且要用得到位，用在刀口上，要注意“度”的问题。与戏曲舞台的表现语言相抵牾的，如转台、LED等，要格外慎用。戏曲的现代化并不是数字舞美技术的现代化。他认为，数字舞美为戏曲的现代化，只能铺砖添瓦。只是参与，不是替代，更不是标示戏曲现代化的惟一标尺。苗培如认为，继承比创新更重要。戏曲数字舞美创作的基础还是要尊重艺术规律，先把传统的东西继承好、吸收好、领悟好，然后才寻求革新之道。
广西舞台美术协会
数字舞美创作不应取代表演
瑞士数字舞美设计家阿庇亚曾以“不再寻求去创造森林的幻觉，而去创造处于森林气氛中的人的幻觉”，形象地描述了数字舞美在戏剧演出中的作用。他十分重视演员在舞台上的作用，强调把演员的动作作为剧场艺术的中心，并以诗意的布景使演员的地位得到加强。数字舞美设计应该是为演出本体服务的。但现在某些剧目演出只见景，不见人；只有光的变换，不见人的出场；原本由演员完成的动作表现、心理状态、性格刻画完全转换为外在的技术运用上。苗培如认为，数字舞美设计者应意识到自己在戏剧创作中的角色和功能，要配合烘托、提升剧作的内涵、思想，要与表演协调一致。王履玮认为，舞台创作的各个部分需要寻找一个艺术上的平衡点，共同追求演出的完整性，数字舞美与表演要相得益彰。
至于数字舞美设计的个人风格，蔡体良认为，一个成功的数字舞美艺术家不应淹没在新技术的追逐、各种手段的尝试中，而是多思考适合文本内涵，与表演、人物塑造相融合的表现方式，努力形成自身的艺术风格。如数字舞美设计薛殿杰就将布莱希特的美学观念在舞台上实践，融本民族风格和布莱希特艺术风格于一体，形成了自己的创作特色。北京人艺的写实化舞台布景也是一种风格。近几年复排的《天下第一楼》《骆驼祥子》《龙须沟》等剧，写实化的舞台景观依然具有生命力，深受观众喜爱。写实布景、风格非但没有过时，还可以呈现出写意、诗化的意境，传递美的意蕴。
数字舞美创作队伍需要“年轻化”
在本次数字舞美大展上，我们看到了各地数字舞美工作者近十年的创作成绩和代表性作品，看到了基层数字舞美队伍成长的足迹。但同时也注意到当下戏剧创作一个不容回避的现象：
艺术资源被少数有实力的创作者占有，“飞人”导演、“飞人”数字舞美现象较为严重。在全国性的艺术节上，经常会看到一个数字舞美、灯光同时有多个省份、院团创作不同的剧目参赛。对于这种现象，蔡体良认为，这虽然有助于地方剧目质量的提升，却不利于地方本土人才数字舞美的成长。“现在的很多戏，获奖作品都是50岁至70岁之间的人，年龄结构日益老化，梯队建设很成问题。一个人的精力、艺术思考是有限的，不可能每一部戏都能达到艺术的理想状态。透支、过度依赖使用‘外援’，对本地后续人才的培养会产生负面影响，造成本地创作力量呈萎缩或停滞状态，使本地人才面临着断档的危机。”他认为，数字舞美队伍应该年轻化，给年轻人更多的机会。目前看来，艺术院校毕业的专业人才在地方施展才能的机会并不多，人才浪费现象严重。
中央戏剧学院教授章抗美认为，我们不仅需要一支数字舞美创作的实践队伍，更需要培养有理论学养和知识储备的研究队伍。舞台美术历史研究要跟上，集中精力把舞台美术的研究搞上去。他认为，数字舞美的创新应建立在对舞台艺术的深入思考和扎实的艺术磨练中。这些年戏剧舞台实践过剩，理论总结不足，戏剧方法重复，模式趋同化严重，从长远看，缺失理论支撑的创作，最终只能陷入形式的泥潭。
文章来源：舞台灯光网 ©版权所有。未经许可，不得转载。
有意与本网合作者请与我们联系。未经《舞台灯光网》书面授权，请勿转载或建立镜像，否则即为侵权。
